Santiago Sierra, un artista tentado por el peligro

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Hace apenas unos días contamos en Buenos Aires con la visita del artista español Santiago Sierra. En una conferencia que tuvo lugar en la Universidad Di Tella, Sierra resumió y desarrolló algunos conceptos claves de su trayectoria artística.

Desde hace años, buena parte de su obra se encuentra vinculada a un concepto que en la actualidad se ha vuelto problemático: la identidad nacional, la cual resulta para sus ojos un tanto absurda y anacrónica. Sierra percibe a la identidad como algo a superar, como un concepto añejo y con un significado ya débil. En relación a su propia experiencia, afirma que no siente vinculación patriótica con España, a pesar de haber vuelto a vivir allí luego de permanecer por un largo período en el exterior. Las razones por las que abandonó su país natal residen en que el arte que primaba allí en ese entonces se mantenía  aún con características muy conservadoras. Todo aquello que no era pintura, como el caso de sus trabajos, no contaba con aceptación. La importante relegación del arte contemporáneo que describe lo llevó a instalarse en México. En la actualidad, varios años después y ya de regreso, cuenta que volvió en esta época de crisis porque le “atraen mucho los problemas”.

Una de las instalaciones realizadas que remiten a la puesta en cuestión de las identidades nacionales, fue la desarrollada con ocasión de su selección para el Pabellón español de la Bienal de Venecia 2003, “Muro encerrando un espacio”. Allí insertó una pared realizada con ladrillo a la vista en el pabellón, que sólo dejaba libre al espectador un corredor de estrechos 65cm de ancho, con restos de basura y material en los pocos espacios disponibles. El público español, a diferencia del resto, debía ingresar por la puerta trasera, luego de presentar una identificación.

Para Sierra, lo ridículo del patriotismo o del nacionalismo se pone de manifiesto en el hecho de que uno de los momentos en que una persona se siente mejor es cuando viaja y recorre otros lugares; cuando se está alejado del lugar que uno siente como propio.

Las primeras obras llevadas a cabo en los años 90 tienen una fuerte impronta minimalista, estética que rescata por considerar a las obras de esta tendencia de una fuerte presencia y arreferenciales, acordes a un cierto momento de la industria. Pero al apropiarse e imprimir su versión de este movimiento, lo que busca es ensuciar el minimalismo, dejar en evidencia huellas del trabajo, que nunca deberían estar presentes en los productos industriales.  Su objetivo era hacer un arte materialista. Aun así, en estas primeras obras había huellas del proceso pero aún faltaba el trabajador.

sierra

Luego vendrán sus famosas obras remuneradas, en las cuales les pagaba a personas que compartieran determinadas características o simplemente estuvieran dispuestas a colaborar a cambio de un sueldo mínimo, para realizar diversas acciones que luego serían registradas. Anarquista confeso, Sierra considera una falsedad el famoso dicho acerca de que el trabajo dignifica; percibe en cambio al trabajo como una dictadura, donde se venden el cuerpo, la fuerza, la inteligencia, el tiempo para el beneficio de un tercero, a un precio que nunca será acorde a lo que se intercambia.

Entre este grupo de piezas visuales se enmarca aquella en la que hizo tatuar una línea en las espaldas y brazos de varios trabajadores (“Línea de 250cm tatuada sobre 6 personas remuneradas”).  Su intención era en este caso llevar al mundo del arte cosas que no querían ser vistas, como las problemáticas del trabajo, de la confrontación, de la plusvalía. La línea fue elegida formalmente por ser el equivalente al mínimo gesto posible.

Una de sus obras que más interesantes me resultan es “La trampa”,  una acción en la que la manipulación se puso realmente en ejercicio.  Una serie de personalidades destacadas de Chile, entre ellos ministros de gobierno, intelectuales y periodistas, fueron citadas a concurrir a un teatro. Al recibirlos se les brindaba una copa y los hacían esperar en una sala, para más tarde conducirlos hacia un largo pasillo que debían atravesar, sin más indicaciones al respecto. Luego de cruzar este espacio, ambientado como una villa miseria,  el invitado llegaba al final del recorrido, para ante su sorpresa, verse inmerso dentro de un cubículo frente a 180 personas que lo observaban con semblante serio y sin decir palabra. Al intentar volver sobre sus pasos, el pasillo había trasmutado su recorrido, para desembocar, no ya en la sala previa sino directamente en la puerta trasera del teatro, rumbo a la calle.

Sierra descree y considera sin ambages como patéticos a los artistas que buscan la censura para sus obras, por considerarlo un camino simplificador: en esos casos es el censor el que se encargará de concluir la obra. Sin embargo, la censura más difundida en el arte no deja de ser la autocensura del creador, que lucha contra lo que no se atreve a hacer. Un parámetro que le funciona y utiliza para decidir si una obra que está realizando puede llegar a ser buena es el sentimiento que  la misma le produce. Si lo que está haciendo le provoca miedo, le parecerá entonces una buena obra.

La trayectoria de Sierra pareciera no tener límites, ni geográficos, ni morales, ni logísticos. Sin embargo  tanto la realidad como el sistema capitalista le imprimen los suyos propios, desde el momento de la producción, ya que él mismo confiesa no realizar ninguna obra que no degenere en un producto comercial, o que no haya llevado un proceso comercial para realizarlo. Procura que las obras que realiza carezcan del atributo de la originalidad, manteniendo las mordaces críticas al autor que se hacían presentes en sus primeras obras.

Santiago Sierra es terminante en sus declaraciones, dice ser una persona que no teme, y una persona sin miedo se vuelve peligrosa para el sistema. A fin de cuentas, considera, es mejor ser peligroso que ser un pusilánime.

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